Le Lann/Kikosky/Foster/ Weiss

Label Plus Loin Music distribué par Harmonia Mundi (2009)

 

Sortie de l'album le jeudi 10 septembre 2009.

 

Eric Le Lann : trompette

David Kikoski : Piano, Fender Rhodes (6)

Douglas Weiss : contrebasse

Al Foster : batterie

 

20 ans après « New York », le Breton Eric Le Lann est revenu à New York enregistrer avec Al Foster, le batteur qui fit le plus long séjour dans la Miles Davis University (1973-1975 puis 1981-1986). S’ajoutent à eux, deux représentants de la jeune garde new yorkaise David Kikosky et Doug(las) Weiss.

 

Le Breton est voyageur. C’est là la moindre de ses qualités. Après des albums où il s’était totalement remis en question, partant dans diverses directions géographiques et stylistiques (Bossa Nova pour " Eric Le Lann - Jean Marie Ecay play Jobim ", Bretagne avec " Origines ", Fusion avec " Le Lann/Top "), Voir ces albums dans la rubrique discographie, en tant que leader,  sur son site. Eric Le Lann revient à un certain classicisme, histoire de rappeler à ceux qui oseraient encore en douter que le digne héritier de Miles Davis et Chet Baker, c’est lui et personne d’autre. Pour ce faire, New York - avec des musiciens du cru - était l’endroit idéal.

 

Au menu, deux ballades prisées par Miles Davis (Yesterdays) et Chet Baker (You don’t know what love is) et six compositions d’Eric Le Lann dont il a fait ses propres standards, remettant cent fois l’ouvrage sur le métier. Il a joué «  Le bleu d’Hortense » en duo avec le pianiste Martial Solal au festival de Jazz à Vannes 1999 et l’a fait chanter en version bretonne sur Origines. D’autres morceaux ont eux aussi déjà été joués, enregistrés par Eric Le Lann. Libre aux auditeurs intéressés de se livrer à un jeu de piste musical pour les retrouver dans ses trente ans de carrière.

 

Eric Le Lann est un musicien lunaire, nocturne et discret. Ici, personne ne la ramène. Pas d’esbroufe, pas d’épate. Ils jouent les notes justes et jouent juste les notes qu’il faut. Tous les morceaux ont été enregistrés en une ou deux prises, comme chez Thelonious Monk, pour s’assurer une fraicheur d’âme. C’est une musique à écouter au calme, en comité restreint, à des heures hindoues. La rythmique est claire, nette, précise. L’efficacité américaine au service du voile de brume qui se dégage de la trompette d’Eric.

 

Qui est cette Hortense au bleu d’hortensia, fleur qui pousse si bien en Bretagne stimulée par le climat et l’ardoise pilée à ses pieds ? Un morceau plus funky, plus joyeux avec le Fender Rhodes sur « Today I fell in Love ». Oui « c’est la nuit Lola » et le Voyage continue jusqu’au bout, conduit par Eric et ses amis made in USA.

 

Eric Le Lann défend cet album sur scène en ce moment avec Dave Kikoski mais sans Doug Weiss et Al Foster remplacés par Thomas Bramerie et Billy Hart. Toutes les informations sur ses concerts se trouvent sur sa page.

 

 

Histoire juive :

« Pourquoi y a t-il tant de Juifs parmi les violonistes ?

Tu te vois traverser l’Europe avec un piano ? »

 

Eddy Rosner, né à Berlin en 1910, mort à Berlin en 1976, jouait de la trompette. Il en jouait si bien qu’après un concours de trompette à New York en 1932, Louis Armstrong lui dédicaça sa photographie en ces termes : «  Au Louis Armstrong blanc, l’Eddie Rosner noir ».

 

En 1933, à Berlin, être Juif et Jazzman revient à signer son arrêt de mort deux fois. Django Reinhardt, Gitan et Jazzman , survécut à l’Ocupation grâce à la protection de Jean Cocteau. Eddie Rosner, entre la mort et l’exil, choisit l’exil. Son erreur fut de ne pas partir dans la bonne direction. Vers l’Ouest, il aurait pu rejoindre Londres puis New York. Il partit vers l’Est, la Pologne et Varsovie.

 

Pourquoi une telle erreur d’orientation? Par amour. L’amour fou pour une Juive polonaise, fille de la reine du théâtre yiddish. A Varsovie, Eddie survit. En 1939, Staline et Hitler se mettent d’accord pour se partager l’Europe de l’Est. Premières victimes : les Polonais, envahis par l’Armée Rouge à l’Est et la Wermacht à l’Ouest. Blague polonaise : «  Dieu  a fait une sale blague à la Pologne. Il l’a mise juste au milieu entre l’Allemagne et la Russie ». Amoureux fou de sa Polonaise, Eddie Rosner passe à l’Est déguisé dans un uniforme allemand. Fait prisonnier par l’Armée Rouge, il se fait reconnaître.

 

La chance lui sourit enfin. Le Premier Secrétaire du Parti Communiste de Biélorussie est un fou de Jazz et possède tous les albums de l’orchestre d’Eddy  Rosner. Il demande à Eddy de créer l’Orchestre de Jazz de l’Armée Rouge. Il lui confie un train, des instruments, des uniformes et l’envoie faire la tournée des troupes pour soutenir leur moral avec du Swing.

 

Comment Eddy Rosner constitua t-il son orchestre ? Avec d’autres rescapés de la barbarie nazie, le plus souvent Juifs, le plus souvent musiciens de formation classique. Des violonistes devinrent saxophonistes, passèrent de Gustav Malher à Duke Elington. Nécessité fait loi.

 

Voici comment l’un des musiciens de l’orchestre raconte son passage à l’Est. Arrêté par la Wermacht, un officier allemand ordonne à un soldat d’aller l’abattre d’une balle dans la tête au coin d’un bois. C’est ce que les historiens appellent aujourd’hui «  La Shoah par balles ». Le soldat et le musicien s’en vont dans la forêt. En chemin, le musicien siffle un air de Schoenberg. Pour siffler du Schoenberg, il faut être musicien. Le soldat intrigué, lui demande : «  Mais c’est du Schoenberg ! Comment connais tu cette musique ?».  «  Je la jouais comme premier violon au Wiener Philarmoniker » lui répond le musicien. «  Moi aussi, je jouais du violon au Wiener avant la guerre ! «  Le soldat regarde le musicien, le reconnaît et lui dit : «  Ecoute mon gars, je ne peux pas descendre un ancien collègue du Wiener. Tu vois le bois là bas ? Les Russes y sont. Je te laisse partir, je vais tirer un coup de feu en l’air. Personne n’ira vérifier que tu es mort. Bonne chance. » Et c’est ainsi que le musicien eut la vie sauve, passa à l’Est et rejoignit l’orchestre de Jazz de l’Armée Rouge dirigé par Eddie Rosner.

 

Pendant toute la grande guerre patriotique (expression russe) de 1941 à 1945, l’orchestre  d’Eddie Rosner, dans son train spécial, joua pour les troupes de l’Armée Rouge, des réservistes de ‘Extrême Orient au front de l’Ouest face à la Wermacht. Un jour, à Bakou, Crimée l’orchestre donna un concert devant une salle vide. Ordre du Parti. Après le concert, Eddie apprit qu’il avait joué devant Staline, seul, caché dans l’ombre de la salle.

 

En juin 1945, triomphe de l’Orchestre qui joue sur la Place Rouge, à Moscou, devant Staline, le Comité central du Parti communiste de l’Union Soviétique et l’Armée Rouge pour fêter la victoire.

 

Après guerre, Staline se rappelle qu’Eddie Rosner est un Juif Allemand né de parents polonais. Cela fait au moins trois raisons de l’envoyer au Goulag. Une seule était déjà de trop. Eddie Rosner se retrouve en Sibérie, dans l’Archipel du Goulag, comme l’a décrit Soljenitsyne. Il n’y se retrouve pas tout seul. D‘autres musiciens de l’orchestre s’y retrouvent aussi, eux aussi Juifs allemands, polonais bref suspects par naissance et par essence pour Staline et ses sbires.

 

Une fois au Goulag, Eddie Rosner crée un orchestre. Il persuade son chef de camp de lui fournir des instruments. Eddie trouve les musiciens et réussit à faire tourner l’orchestre dans divers camps de Sibérie, toujours pour soutenir le moral des troupes. De cette manière, Eddie et ses amis survivent. Staline meurt en 1953, Krouychev lance la déstalinisation. Eddie Rosner et ses musiciens sont libérés. L’orchestre se reforme, joue, enregistre, tourne mais seulement en URSS.

 

Eddie Rosner né à Berlin, veut y retourner, dans une Allemagne républicaine et fédérale. Avec la décrispation kroutchevienne, les contacts avec l’Ouest se multiplient. Louis Armstrong, Duke Ellington, Benny Goodman viennent en URSS, jouent avec Eddie Rosner et lui proposent de venir jouer en Amérique avec eux . Leurs impresarios envoient des courriers officiels proposant des contrats, des concerts, des engagements. L’URSS reste l’URSS et Eddie Rosner y reste enfermé, dans la plus grande prison du monde.

 

En 1973, enfin, Eddie Rosner arrive à Berlin Ouest. Le gouvernement soviétique lui retire sa nationalité et lui bloque ses comptes. Eddie a fait fortune en URSS avec ses albums et ses concerts. Il est à l’Ouest mais son argent est à l’Est. A Berlin Ouest, Eddie est pauvre, vieux, oublié. Il écrit au gouvernement de Bonn pour demander une indemnité comme victime de la Guerre. La lettre lui octroyant des indemnités est arrivée dans sa boîte aux lettres à Berlin le lendemain de sa mort.

 

L’histoire d’Eddie Rosner est racontée dans son autobiographie et un documentaire. Les deux sont passionnants. Des extraits de la musique d’Eddie Rosner sont disponibles ici. Eddie Rosner, de par ses voyages, dans l’immensité terrestre de l’Empire russe, rencontra des cultures caucasiennes, orientales et s’en inspira dans sa musique. Sa version en big band du Caravan de Duke Ellington est absolument unique. Elle vous donne l’impression de voyager à dos de chameau (deux bosses) dans le désert de Gobi.

" Etre Juif et jouer une musique de nègres à Berlin en 1933, c'était vraiment une mauvaise situation. Même quand vous vous appellez Adolf " (Adolf Ignatievitch Rosner dit Eddie Rosner)

 

Paris. Le Sunside. Mercredi 19 août 2009. 21h30.

Giovanni Mirabassi: piano
Gianluca Renzi: contrebasse
Leon Paker: batterie

La photographie de Giovanni Mirabassi est l'oeuvre de l'Impétueux Juan Carlos Hernandez.

Démarrage dur au piano. La contrebasse reprend. Tout à coup, la musique s'allège. Retour au thème grave de départ. Et hop, ils brodent. Solo de contrebasse bien encadré par le piano et la batterie. Quelques breaks de batterie pour relancer.Toujours, en fligrane, cette figure rythmique dans le grave, irrésistible. Elle revient par la contrebasse alors que piano et batterie jouent autour.

Ca roule comme la Mer. Leon Parker précis, ferme, léger offre un soutien en acier trempé. Gianluca Renzi tient sa place au centre de l'attaque. Duo funky basse/batterie alors que le piano virevolte autour. La musique commence vraiment à décoller, funy et légère à la fois. C'est une vedette rapide qui file sur les flots. La conrebasse chante en solo. Derrière, ça tourne! La fin descend tout en douceur. Cet effet là marche toujours.

Solo de contrebasse pour introduire une ballade. Grave, méditatif. Duo piano/contrebasse. Le batteur les rejoint con dolcezza. Un peu mièvre à mon goût.

Ca repart plus véloce puis se calme. Je sens qu'ils vont varier rythmes et plaisirs dans ce morcau. Ca swingue bien. Giovanni mène le bal et ses compères suivent sans peine. Breaks de batterie accompagnés par un gimmick rythmique grave. Ca groove. Dans le jeu de Leon Parker sur les tambours, l'influence des congas cubaines est évidente.

Solo de piano pour introduire. Giovanni nous fait le ruisseau tempêtueux qui dévale la montagne. L'ensemble sonne cubain de par le jeu du batteur. Solo véloce de contrebasse. Le piano ponctue, le batteur frotte les peaux de ses mains. Le torrent court à nouveau dans la montagne. Piano contrebasse, batterie aux balais. C'est beau comme un récit de Mario Rigoni Stern.

PAUSE

Attaque à la contrebasse dans l'aigu. Puis retour au grave. Ponctuations du piano. Le cliquetis de baguettes les rejoint. La musique se déplie, se déploie. Solo de batterie: les tambours chantent et grondent. Mon voiin de droite est un passionné. Il mime les gestes du batteur. Il est dedans. Solo de batterie soutenu par une figure rythmique grave qui tourne en boucle jouée par le piano et la contrebasse. Influence africaine dans le jeu de Leon Parker. La tension est palpable. Mon voisin mime le pianiste et chante l'air. Sa compagne est dedans aussi mais plus sagement. Retour à un air léger, chantant en trio.

Giovanni attaque seul une ballade. Le trio joue au ralenti, décomposant le temps comme une montre molle de Dali. Les balais frottent, les cordes de la contrebasse vibrent, les notes du piano s'écoulent goutte à goutte. Tout est sensuel. Ca marche. Malgré la chaleur, devant moi, un homme enlace sa bien aimée. Leon Parker tient un maillet dans la main droite, un balai dans la main gauche. Cela fait un joli effet sonore. Tout est souple, arrondi, tactile.

" You don't know what love is " est introduit sur un tempo rapide au piano. Mon voisin chantonne. Leon Parker joue avec les mains sur les tambours. Ca swingue. Leon a repris les baguettes et ça balance. Ce n'est plus une ballade mais un chant d'allégresse. Solo tout en douceur de Leon Parker, une rareté chz les batteurs (sauf Max Roach bien sûr). Ses maisn roulent sur les tambours. La batterie chante, vibre, résonne, gronde. Le voisin hoche la tête en mesure. Retour au thème en trio toujours en version accélérée. Le voisin chantonne joyeusement. Le piano entraîne les deux autres dans sa farandole. Ils dansent. Mon voisin mime tour à tour le batteur, le contrebassiste, le pianiste.

Une nouvelle ballade. Le couple de voisins passionnés est parti. Il est 23h50. Ils devaient avoir peu que leur carrosse ne se change en citrouille à minuit. La barque fend les flots au rythme synchrone des rameurs. Le contrebassiste chantonne pendant son solo. Mon voisin est remplacé! Ils accélèrent, ralentissent comme un seul homme.

Solo énergique de batterie aux baguettes pour commencer. Roulez tambours! C'est sec, ça frappe mais ça reste mélodieux. C'est " Impressions " de John Coltrane. C'est étrange de l'écouter sans saxophone. Le trio décolle emmené par le pilote Giovanni Mirabassi. Beau solo de contrebasse qui permet d'enchaîner sur " So What " de Miles Davis. Ils vont à rebours de l'Histoire puisque " So What " a précédé et inspiré " Impressions ". Un break de batterie pour enchaîner et relancer le trio. Leon Parker est un batteur coloriste. Il sait trouver des sons avec les bords des caisses, des cymbales cinglés par ses baguettes magiques. Retour à " Impressions " en trio. Ils s'amusent à décomposer le tempo. Ca joue.

PAUSE

Je ne suis pas resté pour le 3e set car j'avais école le lendemain. Giovanni Mirabassi ressemble à Nanni Moretti en plus petit. Son trio  avec Gianluca Renzi et Leon Parker est une vraie trinité. Ces trois hommes n'en font qu'un. Je leur souhaite une longue vie commune en espérant qu'ils ne finiront pas dans le ronronnement ennuyeux du trio Keith Jarrett/Gary Peacock/Jack de Johnette.

Paris. Le Neuf Jazz Club. Vendredi 7 août 2009. 20h30.

Nelson Veras : guitare
Gildas Boclé : contrebasse
Marcello Pellitteri : batterie

Ils commencent sans prévenir. Un standard. Contrebasse à l’archet. C’est Paris au mois d’août. La salle est déserte. La musique est belle quand même. Nelson, assis, jambes croisées, déroule tranquille conforté par la contrebasse et la batterie aux balais. C’est « Stella by Starlight ». Nelson joue avec sensibilité, virtuosité en toute décontraction.Le batteru se cherche un peu. Il doit s’intégrer à un duo formé depuis des années. En cherchant, il les trouve.

« Brasil Nativo ». Comme le titre l’indique, ça sonne brésilien. Après des années à Paris, Nelson n’a pas perdu ses racines, heureusement. Contrebasse et batterie se trouvent et propulsent Nelson plus vite, plus haut, plus fort. Nelson nous emmène à la plage sur l’Atlantique Sud. Quel bonheur ! Gildas en solo à l’archet.Ca vibre.

Retour au Jazz. Swing léger et pugnace. « Fly like a butterfly, sting like a bee » (Mohamed Ali). Jeu de guitare vif, nerveux, haché. Ca suit derrière. Marcello les a vraiment trouvés. Solo de contrebasse finement ponctué de ciselures de guitare. Solo de batterie dynamique, nerveux, aux balais. Bonnes vibrations. C’était un morceau de Steve Coleman.

« Marie Louise » une composition originale. De Gildas je suppose puisqu’il entame à l’archet une ballade. Ca ressemble beaucoup aux harmonies d’ « I love You Porgy » (Gershwin). La guitare et la batterie entrent dans le morceau alors que Gildas passe au pizzicato. La musique coule de source. Le temps devient paresseux à les écouter. Langoureux même.

« The Song is You ». Un standard. Gildas lance le morceau, Marcello puis Nelson le rejoignent. Ce swingue, vole, aérien et charnel à la fois. Jeu de questions réponses entre guitare et batterie. Chauffe Marcel !

PAUSE

La salle résonne un peu comme une église. En grand professionnel, Marcello Pellitteri s’adapte et évite de jouer trop fort. Ca repart tranquille et swinguant. Le batteur martèle une sorte de marche funky. C’était un morceau de Steve Coleman. Avec eux, c’est chaud en plus d’être mathématique comme toute composition qui se respecte.

Démarrage en solo de contrebasse. Le batteur malaxe aux balais ; le contrebassiste fonde le tempo et Nelson glisse dessus comme un surfer. C’était « Windows » de Chick Corea.

Marcello Pellitterai a appris certains morceaux du premier coup il y a deux heures lors de la balance. Un grand professionnel. Introduction à l’archet. Gildas continue à l’archet jouant dans l’aigu de l’instrument. Il y a peu de spectateurs mais certains sont bavards. Ils ont des oreilles et ils croient entendre. C’était « Waltz » de Nelson Veras.

« Lilia » (Milton Nascimento). Je retrouve des morceaux que j’ai entendus joués par Nelson en duo avec Jonathan Keisberg dans le même club il y a quelques semaines. Brasil ! Ca danse. Marcello joue puissamment mais tout en retenue pour ne pas déborder sur ses compères. Gildas pose le rythme. Nelson est dans son élément. Ca sent le Brésil, le soleil, la mer et les petits culs des Brésiliennes qui bougent en cadence.

PAUSE

Ca repart à trois avec un standard « I am old fashioned ». Le batteur est aux balais. Comme la musique semble facile, respire avec ces gars là !

« Evidence » (Thelonious Sphere Monk). C’est curieux d’entendre Monk joué par un trio guitare/contrebasse/batterie. Ca le fait. Les compositions de Monk sont si puissantes qu’elles peuvent passer toutes les épreuves. Beau dialogue contrebasse/batterie aux balais. Ca monte en puissance et ça swingue. Old man rebop !

« Besame mucho » un standard immortel, inusable joué comme si c’était la première fois (la primera vez). Tout à coup, Nelson trouve une attaque aiguë, étonnante. La tension monte.

« Body and Soul » pour finir, standard dont la version absolue a été gravée par le saxophoniste Coleman Hawkins en 1939. Introduction par un solo de contrebasse à l’archet. Les ventilateurs font un bruit de fond mais les musiciens ne jouent pas avec. Ils ne doivent pas les entendre depuis la scène. Les balais pétrissent la pâte sonore. La guitare prend le dessus doucement. Après le déroulé de la guitare, le frottement de l’archet sur la contrebasse. Marcello joue tête baissée sur sa batterie, concentré. Ca finit en frottement, glissement, pincement. Con dolcezza. Même les bavards du fond se sont tus sur la fin.

Mieux que la plage, le Brésil à Paris et tant d’autres plaisirs encore. Merci à Nelson, Gildas et Marcello pour cette soirée de grandes délices.

 

Enrico Pieranunzi Trio. Paris. Le Sunside. Paris. Lundi 3 août 2009.21h.

Enrico Pieranunzi : piano
Darryl Hall : contrebasse
Enzo Zirilli : batterie

La photographie de Darryl Hall est l'oeuvre de l'Epoustouflant Juan Carlos Hernandez.

Intro en piano solo. La grâce dès les premières notes. Une légère montée en puissance. Un standard qu’aimait jouer Bill Evans. On green dolphin street. Le trio est parti . C’est fin, ça interagit, c’est du Pieranunzi. Les mains d’Enrico volent comme des papillons sur le piano. Les baguettes sont de retour. Fouette cocher ! Contrebasse et batterie ancrent la musique. Enrico surfe dessus.

Intro de piano tout en souplesse sur laquelle ses complices rebondissent. C’est une sorte de valse.
L’héritage de Bill Evans est bien assumé mais ce n’est pas de la copie.
Ca swingue avec lyrisme, all’italiana. Puis le tempo se repose sans que baisse l’intensité des émotions. Enzo Zirelli trouve des sons originaux, mats aux tambours. Solo final de piano. Le temps suspend son vol. Léger frottis des cymbales pour l’accompagner. La contrebasse les rejoint, enchaîne sur une ballade, genre dans lequel Enrico est unique, irrésistible. Le jeu est fluide mais pas trop mignon. Cette musique donne chair à nos rêves.

Un morceau plus vif. Démarrage en trio avec les balais. Morceau sec, nerveux mais toujours lyrique. Breaks de batterie contrôlés à distance par le piano. Enrico c’est le Patron avec une autorité bienveillante. Le batteur décoiffe. D’ailleurs il est chauve. Même jeu de contrôle et de lâcher prise entre le piano et le solo de contrebasse.

Enrico présente les musiciens du batteur au pianiste. Cet petit homme a de petits bras et de grandes mains. La musique nous enveloppe dans un châle de soie légère et colorée. Le batteur est aux balais. Ballade où le temps glisse comme un poisson dans l’eau. Puis les baguettes volent sur les cymbales comme des moineaux sur les tots. Solo de contrebasse ponctué par les mains sur les tambours et quelques gouttes d’eau de piano. Quand le morceau finit, la magie aussi. Heureusement elle reprend dès le morceau suivant.

Démarrage en trio d’une ballade. Je n’aurai qu’un mot pour la qualifier : « Whaouh ! ».

Un morceau rapide, bebop. Toujours un calme souverain sur le visage d’Enrico Pieranunzi. Ses émotions sont concentrées dans ses mains. Solo de contrebasse serré comme un café à l’italienne. Les baguettes sur les tambours et les balais le relaient à merveille. Le piano relance et le public explose. Héritage du piano classique, Enrico sait enlever ses mains très vite et très haut du piano. Enzo Virilli fait rouler ses tambours et vibrer ses cymbales avec vigueur et imagination. Il transforme un standard en tarentelle !

PAUSE

Ca repart en trio, chaus, souple, mobile. Les balais caressent, la contrebasse gronde doucement, le piano vogue sur les flots. Baguettes. Le trio monte en puissance, synchrone.

Un standard joué par Bill Evans. Ca s’agite, virevolte mais ne tempête point. De la passion et de la précision. C’est du ski de slalom tout en dérapage contrôlés. Transition vers un autre standard joué par Miles Davis. Ils habillent si bien les standards que je ne les reconnais plus. J’ai trouvé. C’était « Footprints » de Wayne Shorter. Quel délice !

Ca repart gracieux, ailé, vif. Une musique pour film d’Antonioni sans l’ennui. Ca sent le sel, le soleil, la Méditerranée. Enrico Pieranunzi a l’air d’un petit homme tranquille alors que sa musique n’est ni petite, ni tranquille.

Un classique du bebop. Anthropology ? Piano, contrebasse, balais.Doux et rapide à la fois. La classe. Ca chauffe, swingue terriblement mais toujours avec élégance et mesure. C’est de la haute couture. Joli solo aux balais riche, varié. Ce n’est pas de l’avant garde comme Tom Rainey mais c’est original. Solo de contrebasse soutenu par les balais. Quand ça balance, ça balance !

« Body and Soul ». Ils glissent comme des libellules sur un étang. La musique est évanescente et présente. Final emmené par un solo du Maestro Enrico très inspiré d'Esoterik Satie. Le trio repart. Hop les baguettes et un coup d’accélérateur. C’est parti à fond les manettes., corps et âme mais loin de « Body and Soul ». Il y a des souvenirs des tambours des Marches dans le jeu en solo d’Enzo. Ils reviennent à « Body and Soul » en version accélérée pour retourner à la ballade de départ. Quelle maîtrise !

« Jitterbug Waltz » (Bill Evans). Bill Evans, le pianiste dont l’ombre tutélaire plane sur Enrico Pieranunzi sans jamais l’empêcher de jouer. Que de fleurs semées le long du chemin de ces Messieurs ! Enchaînement sur un autre standard. Ca s’écoute, agit, réagit entre les trois avec une précision helvétique. C’est une orgie de musique et d’émotions.
Retour à la valse de départ pour finir, en marquant exagérément le tempo, en le décomposant. Ils sourient et ils s’écoutent.

Fin du concert à 0h45. J’ai couru pour attraper le dernier métro. Une si belle musique méritait bien un petit effort.

 

Steve Grossman Quintet.
Paris. Le Sunside. Vendredi 24 juillet 2009. 21h.

Steve Grossman : saxophone ténor
Valerio Portrandolfo : saxophone ténor
Alain Jean Marie : piano
Gilles Naturel : contrebasse
Sangoma Everett : batterie

Style hard bop classique. Solo de Valerio. Steve s’est assis sur une chaise, au bord de la scène, un verre à portée de main et le relance de temps en temps par un « Go ahead » ou quelques notes de sax ténor. Alle simple pour les années 50. On se croirait au Blue Note. Steve se relève et prend son tour. Solo plus économe mais bien pensé. Ses prises d’air collent avec la rythmique. Valerio écoute la leçon de son Maître. C’est le même genre de relation qu’entre Johnny Griffin et Olivier Temine même si la différence d’âge est moindre. La rythmique se lance. Le batteur est aux balais. Alain Jean Marie parcourt le clavier à grandes foulées souples. Sangoma Everett joue de la mitraillette aux baguettes. De l’autre bout de la scène, Steve Grossman défie le batteur. Sangoma fait chanter ses tambours. Ca swingue Noir. Retour au thème pour un final aux deux ténors. Classique mais bon.

C’est un Blues. Alain joue le Blues et Steve apprécie. Tout est là : rythme, mise en place, feeling, temps suspendu. Bref le Blues. Après cette superbe intro, Valerio prend le solo de sax. Assis sur sa chaise, Steve ponctue son propos. Les mânes de Johnny Griffin et Dexter Gordon doivent se réjouir ce soir.Chaque saxophoniste, à son tour, se repose sur la chaise ou joue sur scène. Steve sait jouer le Blues. Il maintient la tradition vivante. Jeu expressif, déchiré, puissant du saxophone bref Bluesy. Solo de contrebasse à la Pierre Michelot : grave, profond, souple, bondissant. Les balais caressent la batterie pour l’accompagner. Quelques notes de piano comme des doses d’alcool fort. Breaks de batterie pour relancer la machine.

« I can’t get started » une ballade des années 1930 dont Dizzy Gillespie donna des versions immortelles avec son Big Band Atomique entre 1946 et 1948. A Valerio de jouer. Assis sur sa chaise, Steve le soutient de temps en temps. La rythmique est en velours rouge, chaude et souple.Alain Jean Marie brode des perles de nacre. La musique s’étire, respire. Valerio reprend son solo. Assis, tranquille, Steve le soutient de temps en temps.

Alain lance un morceau beaucoup plus viril, plus pêchu. Les sax repartent à l’attaque. A Steve de prendre le large. Le jeu reste classique mais, nom de Zeus, c’est bon ! Echange chant/contre chant des sax ténors puis Valerio prend le devant.Steve claque des doigts, bat des mains, est enthousiasmé par le jeu de son pianiste. Qui ne le serait ? Alain envoie des vagues sonores puissantes et chaudes comme la Mer des Caraïbes. Un solo de Gilles Naturel tient chaud au corps et au cœur. Breaks de batterie en réponse aux saxs. Alain Jean Marie, Sangoma Everett, deux anciens accompagnateurs de Barney Wilen. Ca s’entend encore.

PAUSE

C’est reparti avec Valerio poussé par la rythmique. Pas de doute. Steve a plus de force expressive que Valerio. Plus de vécu mais pas seulement. Il arrive à Steve de jouer face au batteur ou au pianiste. Comme Miles Davis, il tourne le dos au public pour lui donner encore plus.

« Somewhere over the rainbow » une ballade archi connue. Intro par un solo de Steve Grossman. Beau son grave. La rythmique joue la ballade qui tue et Steve glisse dessus comme un patineur tranquille. Chant/contre chant des saxophones. Solo de piano puis solo de contrebasse à l’archet. Ca nous gratte l’âme au bon endroit.

Un morceau plus vif, plus nerveux. Quand les deux saxophonistes attaquent ensemble, ils mordent bien. Solo de Valerio. Grand son. La rythmique pousse, impeccable et implacable. On peut se repose sur ces gars là mais pas se reposer avec eux. « L’intensité, l’intensité, l’intensité » comme disait Art Blakey. Un sentiment d’urgence vitale se dégage du jeu de Steve Grossman. Cela fait partie des signes qui distinguent le grand musicien. La rythmique repart menée de main de maître par Alain Jean Marie. Solo de contrebasse accompagné d’un joli cliquetis de batterie. Gilles Naturel c’est l’homme tranquille de la contrebasse. Tranquille toujours, ennuyeux jamais.

« Whims of Chambers » composition du contrebassiste Paul Chambers. Ca swingue simplement. Steve joue face à Gilles. Solo de contrebasse ponctué par les cliquetis des cymbales. Quelques notes de piano pour pimenter la sauce. La contrebasse danse le rigodon. Solo d’Alain Jean Marie gorgé de swing. Quel souverain du rythme ! Il n’y a pas de solo de batterie qui casse le morceau mais des breaks qui le relancent. C’est mieux. Retour au thème pour le final. C’est si bon.

Un standard dynamique dont le titre m’échappe. Steve mène, Fabio relance, la rythmique avance. Solo de Fabio bien viril, hard bop. La rythmique est sans peur et sans reproche. Un solo de piano d’Alain Jean Marie semble tranquille, classique au départ. Puis, sans coup férir, avec le même calme olympien, il vous fait entrer au cœur du feu sacré de la musique.

Il y avait un 3e set mais le marchand de sable était passé. Je suis rentré me coucher bercé par le chant des saxophones.