39 résultats pour “Gary peacock”

Le batteur, compositeur, chef d'orchestre Paul Motian est mort à New York le 22 novembre 2011 à l'âge de 80 ans.

Deux mois auparavant, il jouait au Village Vanguard avec un nouveau trio composé du guitariste américain Ben Monder et du saxophoniste français Jérôme Sabbagh.

Voici le témoignage de Jérôme Sabbagh sur ses concerts avec Paul Motian. Un musicien de 40 ans rend hommage à la jeunesse d'esprit d'un musicien de 80 ans.

La carrière de Paul Motian est très bien résumée dans l'article nécrologique du New York Times.

Face au foisonnement incarné par Roy Haynes, Paul Motian incarnait la discrétion.

Je me souviens de Paul Motian en concert.

Je l'ai vu en 1998 et en 1999, à la même occasion, l'Europa Jazz Festival du Mans dans le cadre somptueux de l'abbaye de l'Epau (ordre cistercien, XIII° siècle pour les amateurs).

En 1999, il jouait dans le trio de Marilyn Crispell (piano) avec Gary Peacock (contrebasse). Sciemment, Paul Motian sabota le concert, ne jouant pas une note en mesure. La pianiste et le contrebassiste avaient beau le regarder d'un air effaré, il poursuivit son oeuvre de démolition jusqu'au bout. Le croisant ensuite dans le bar des musiciens, je remarquais son sourire narquois de sale gosse content de son coup.

En 1998, il jouait dans le trio de Lee Konitz (saxophone alto) avec Steve Swallow (guitare basse électrique). Là, ils chatouillaient les étoiles portés par le décor austère, l'acoustique parfaite du dortoir des moines et un public aux anges. Un concert inoubliable de beauté et d'élégance.

Tel était Paul Motian, sans cesse surprenant pour ses auditeurs. 

Bien que né à Providence, Rhode Island, Paul Motian était devenu un vrai New Yorkais. Il joue ici la musique de Broadway avec Lee Konitz (sax alto), Joe Lovano (sax ténor), Marc Johnson (contrebasse) et Bill Frisell (guitare électrique). Concert donné aux Pays Bas lors du North Sea Jazz Festival.

Dan Tepfer&Ben Wendel

Paris. Le Sunside.

Jeudi 21 mars 2013. 21h

Dan Tepfer: piano

Ben Wendel: saxophone ténor, basson.

Concert de sortie de l’album “ Small Constructions “ (Sunnyside Records). 

Le portrait de Dan Tepfer & Ben Wendel a été réalisé lors d'un précédent concert du duo par la Passionnée Hélène POISSON. Toute utilisation de cette oeuvre sans l'autorisation de son auteur constitue une violation du Code de la propriété intellectuelle passible de sanctions civiles et pénales.

Dan commence grave, swinguant. Ben au sax ténor pour un classique deMonk. Ce n’est pas aussi âpre que lorsque Monk le jouait avec Johnny Griffin. Mais il y a le swing, la surprise, l’humour à la Monk. Leur éducation classique s’entend mais elle n’édulcore pas le thème. Le dialogue est riche. Le thème est bien là. Ils se l’approprient avec la maîtrise et la fougue de leur jeunesse. C’était « Pannonica » le morceau hommage à la baronne Pannonica de Koenigswarter chez qui moururent Charlie Parker en 1955 et Thelonious Sphere Monk en 1982.

Dan démarre dans un roulement continu, puissant que Ben prolonge. Cela sonne comme une fuite, une course. Ces deux oiseaux volent haut. Le piano représentant la Terre, le sax ténor l’Air, les deux éléments se mélangent, chacun empruntant à l’autre, l’un la force, l’autre la légèreté. C’était « Nines » de Dan Tepfer.

« Jean and Renata » composé par Ben Wendel en hommage à un couple parisien de ses amis. Jean étant Français, il s’agit du prénom masculin. Une ballade. Ces gens doivent être charmants, absolument charmants, ouï ce que j’entends. Ben joue tout en douceur, le souffle long alors que Dan soutient derrière. Ils nous bercent de voluptueuses volutes sonores. Cette musique est un baume pour l’âme. A la fin du morceau, une dame se lève et serre Ben Wendel dans ses bras pour le remercier. Logiquement, c’est Renata.

Solo de ténor pour commencer. Ca monte et ça descend. Dan arrive avec une pompe puissante. Ca enchaîne. Puis la musique devient légère, cristalline, aérienne. Un swing à la fois subtil et puissant s’élève. Comme j’ai la chance d’être ici et maintenant à ce concert. Ca invente et vibre de partout. Bel élan jusqu’au final paroxystique et conjoint. « Still play » (Wendel).

Ce sont les deux derniers concerts (jeudi 21 et vendredi 22 mars au Sunside) d’une tournée commencée fin février sur la Côte Pacifique des Etats-Unis d’Amérique (la West Coast pour les amateurs de Jazz Pacifique). Ils sont donc parfaitement rodés mais pas lassés de jouer leur musique. L’album se nomme « Small constructions » parce qu’à deux, en jouant chacun plusieurs instruments, en utilisant les possibilités techniques de l’enregistrement, ils ont construit leur œuvre, morceau par morceau, avec des morceaux dans les morceaux, le tout s’emboitant pour former un ensemble cohérent.

Ben Wendel passe au basson pour jouer « Come tu mi vuoi » (Nino Rota) qui ne figure pas sur l’album. Grand-père Basson se met au Jazz et il swingue. Musique d’une élégante nostalgie, bref du Nino Rota. Ca s’anime, s’agite. Le basson grogne et berce. Le piano frétille joyeusement.

« More bassoon soon » lance un spectateur au premier rang. Dan lui répond « Sooner or later ». Pour l’instant, Ben revient au sax ténor pour jouer « Gratitude » de Dan Tepfer. Lorsque Dan Tepfer a joué avec Gary Peacock (contrebasse) il est allé le voir chez lui. Gary Peacock vit seul dans une maison isolée, en forêt, dans l’Etat de New York. Il a expliqué à Dan qu’à son âge (il est né le 12 mai 1935), lorsqu’il joue, ce qu’il ressent d’abord, c’est la gratitude de pouvoir encore jouer et à haut niveau. De retour chez lui, ayant pris des notes pendant cette conversation, Dan a composé « Gratitude ». Comme avec Lee Konitz, Dan Tepfer sait tirer profit du savoir de ses aînés. C’est une de ses qualités. Dan commence seul une ballade. Ben enchaîne avec la plainte du saxophone. Il y a aussi dans cette musique la grandeur de la forêt, son silence, son murmure, la communion de l’homme avec la Nature comme chez Edvard Grieg. Un silence d’approbation avant d’applaudir.

« Solar » (Miles Davis), un morceau qui ne figure pas sur l’album. Je reconnais la mélodie mais décortiquée par Dan Tepfer. Un peu de jeu dans les cordes du piano et c’est fini.

PAUSE

Honorables lectrices, estimables lecteurs, j’espère que vous voudrez bien m’excuser mais cette chronique s’arrête à la première pause du concert. La musique était magnifique, j’ai senti les progrès accomplis depuis le concert de ce duo à Paris en juillet 2012. Malheureusement pour moi, je n’étais pas assez éveillé pour en profiter. Je suis donc rentré me coucher. Une chronique de l’album « Small constructions » chez Sunnyside Records  sera bientôt publiée sur ce blog.

Voici Dan Tepfer & Ben Wendel jouant " Taylor Piece " ( Ben Wendel)  lors d'un autre concert parisien au Sunside le 21 janvier 2014. Régalez vous à votre tour honorables lectrices, estimables lecteurs.

Ben Wendel

&

Dan Tepfer

« Small constructions »

Sunnyside Records. 2013.

Ben Wendel : saxophones, basson, Melodica, piano (12)

Dan Tepfer: Piano, Fender Rhodes, saxophone alto (12)

Le portrait de Dan Tepfer et Ben Wendel est l'oeuvre de la Vibrante Hélène POISSON. Toute utilisation de cette oeuvre sans l'autorisation de son auteur constitue une violation du Code de la propriété intellectuelle passible de sanctions civiles et pénales.

La beauté est désarmante. Que puis-je bien vous dire sur Dan Tepfer et Ben Wendel pour vous convaincre de les écouter attentivement, lectrices sceptiques, lecteurs dubitatifs? Que je vous ai déjà chanté les louanges de leurs concerts de juillet 2012 et mars 2013 à Paris ?

Que ces hommes sont jeunes, beaux, intelligents, talentueux, créatifs, cultivés, sympathiques, fiers mais pas orgueilleux ? Certes mais encore ?

De quoi jouent-ils au juste ? C’est ce que m’a demandé un collègue de bureau (j’écoute leur musique pour stimuler mon cerveau. Ca marche) en voyant la pochette de l’album. De tous les instruments qui figurent sur la photographie sauf de la guitare sèche qui est là pour faire joli. Eux ne sont pas là pour faire joli mais pour faire beau.

Comment y arrivent-ils ? En jugulant la multiplicité de leurs talents pour suivre le même chemin intérieur par mille détours et surprises. Ils jouent leurs compositions, de l’un ou de l’autre, pas des deux ensemble curieusement, du Monk (Pannonica et Ask me now avec des versions qui donnent envie d’un album entier de Monk à leur façon), du Handel d'une façon qui me rappelle les expérimentations de Lenny Popkin en 1971. Comment jouent-ils ? De plusieurs instruments mais pas en même temps. Grâce aux possibilités des technologies d’enregistrement, ils enregistrent leurs morceaux par petits bouts, les assemblant au final. D’où le titre de l’album «  Small constructions ».

Tout s’enchaîne logiquement. Du premier morceau parfaitement maîtrisé et entraînant «  Still play » au 12^e volontairement maladroit et enfantin, particulièrement touchant, « Oblique strategy » puisque chacun y joue de l’instrument privilégié de l’autre, Dan du sax alto, Ben du piano. En passant par un hommage bouleversant à des amis de Ben « Jean and Renata » (n°3) musique qui n’avance pas, qui se trouve bien là où elle est comme chez Esoterik Satie, à Gary Peacock avec qui a joué Dan « Gratitude » (n°7) sans omettre un standard du Jazz « Darn that dream » (n°10) dont l’interprétation me fait oublier momentanément celles de Martial Solal. 

Pour faire la fine bouche, je dirai que je n’aime toujours pas le Melodica, « Line » (n°5) mais que cette mauvaise impression est aussitôt effacée par l’élan irrésistiblement romantique et entraînant de « Nines » (n°6).

Evidemment si vous préférez le bruit et la fureur, cette musique n’est pas faite pour vous, lectrices sceptiques, lecteurs dubitatifs. Ce n’est pas grave. Ecoutez la tout de même. Elle ne peut vous faire que du bien.

Voici ces deux jeunes gens jouant " Jean and Renata "  qui figure sur l'album (3e morceau). Profitez en pleinement, lectrices sceptiques, lecteurs dubitatifs.

La leçon de Jazz d’Antoine Hervé.

« Keith Jarrett, compositeur au carrefour des musiques du XX° siècle ».

Paris. Auditorium Saint Germain. Mardi 8 décembre 2009. 19h30.



La photographie d'Antoine Hervé est l'oeuvre de l'Abracadabrantesque Juan Carlos Hernandez.


Antoine Hervé : piano

Keith Jarrett est connu du grand public. Il y a plus de monde que d’habitude. La salle est presque pleine. La scène ne porte qu’un piano. Pas de contrebasse ni de batterie. Personne ne jouera les rôles de Gary Peacock et Jack de Johnette.

Pour commencer une chanson country passe dans les haut parleurs. Serait-ce Keith Jarrett au piano ? En fait c’est Keith qui joue du piano, de la contrebasse, de la batterie, de l’harmonica et chante « All right » sur son troisième album. Comme Stevie Wonder et Prince, Keith Jarrette sait tout jouer. Contrairement à ses deux confrères, Keith a choisi de se concentrer sur un instrument, le piano et même sur un genre, les standards du Jazz.

Keith Jarrett est né le 8 mai 1945, le jour de l’Armistice. C’est dire si c’est un homme de paix. Premières leçons de piano à 3 ans, premier concert à 7 ans, premier récital de ses compositions à 17 ans. Il a fait partie des Jazz Messengers d’Art Blakey, l’université Harvard du Hard Bop. En 1966, il accompagne Charles Loyd avec Jack de Johnette à la batterie. De Johnette joue toujours avec Keith aujourd’hui. Il a formé un trio avec Charlie Haden et Paul Motian, le premier batteur de Bill Evans. Il joue des claviers électriques chez Miles Davis en 1970-71 alors qu’il les a en horreur (écouter son témoignage dans le film « Miles Davis Electric. A different Kind of Blue » sur le concert à l’île de Wight en 1970 devant 600 000 spectateurs).Miles Davis l’avait abordé ainsi à Paris dans un club où il jouait avec Jean François Jenny Clarke et Aldo Romano : «Hi Keith! How does it feel to be a genius ? ». Il a joué avec son maître de la Berklee School of Music, le vibraphoniste Gary Burton.

Antoine Hervé nous joue « 45 » de Keith Jarrett qui mêle la pulsion binaire et les accords du Jazz. Il nous explique la différence entre un guitariste de Jazz et un guitariste de Rock. Un guitariste de Jazz joue 3000 accords devant 10 personnes. Un guitariste de Rock joue 10 accords devant 3000 personnes.

Antoine joue « Choral » de Keith Jarrett. Dans les années 1970, Keith Jarrett ajoute le saxophoniste Dewey Redman (père de Joshua, autre saxophoniste) à son trio.

En 1972, Keith Jarrett enregistre son premier album solo « Facing You » pour le label allemand ECM (Echoes of Contemporary Music/Munchen) dirigé par Manfred Eicher. Il est depuis resté fidèle à cette compagnie dont il a fait la fortune. Ce solo stupéfia Antoine Hervé à l’époque par sa nouveauté. En 1975 sort le « Köln Concert » un des albums les plus vendus de l’histoire du Jazz. 45mn d’improvisation sans interruption un soir de tournée. Nanni Moretti l’a utilisé pour son film « Caro diario » (« Journal intime ») en 1993. C’est une musique liquide et mobile qui laisse l’auditeur voguer au gré de son imagination. Antoine nous en joue joliment des extraits, restituant une improvisation qu’il connaît par cœur.

Keith Jarrett a aussi eu un groupe scandinave avec le saxophoniste Jan Garbarek, le Belonging Quartet. Antoine nous joue « Spiral Dance », un morceau très rythmé, peut-être inspiré des danses scandinaves comme le « Dear Old Stockholm » de Stan Getz. Un air dansant, puissant, qui emporte.

« The wind up » (album « Belonging »). Le morceau est rythmé, haché, brisé, joyeux. Le vent souffle dans les voiles. La métrique est complexe, les points d’appui sont déplacés (héritage de Charlie Parker). Le Professeur Hervé nous explique comment une mesure de 16 est divisée en 7+9 pour donner l’impression que le temps s’allonge à la fin. A l’intérieur du thème, passage en 4 temps mais ça change au bout de 2 temps. Tout est décalé, fait pour dérouter l’auditeur. Allusion à la musique médiévale que Keith a beaucoup écouté et analysé.

Dans les années 1980-90, Keith Jarrett a beaucoup travaillé la musique classique au piano, au clavecin, à l’orgue. Il a joué du baroque, des compositeurs contemporains américains. A la fin des années 1990, épuisé par des années de tournées et d’enregistrements (200 albums !), il est victime d’un syndrome de fatigue chronique, incapable de jouer.

Il se consacre aux ballades avec l’album « The melody at night with You ». Antoine nous joue un extrait de « Peace piece » de Bill Evans (extrait de l’album « Everybody digs Bill Evans », morceau très nettement inspiré des Gymnopédies d’Esoterik Satie). Il joue ensuite « Never leave me » de Keith Jarrett dans le même style. C’est épuré, dépouillé, cristallin, joué à l’économie pour concentrer l’émotion. Dans la même veine, Herr Professor Hervé joue un standard « Somewhere over the rainbow » en distillant les notes une à une, comme des gouttes d’eau tombant d’un robinet.

Keith Jarrett a aussi travaillé l’improvisation fuguée (Bach, Mozart, Beethoven), l’école française du contrepoint teintée de la période élisabéthaine (Elisabeth Ière, reine d’Angleterre du vivant de William Shakespeare). Il a reçu le Sonning Music Award au Danemark comme Igor Stravinski et Miles Davis.

Depuis bientôt 30 ans Keith Jarrett joue des standards en trio avec Gary Peacock (contrebasse) et Jack de Johnette (Batterie). Keith Jarrett est le moteur et le gardien du tempo. Tout est en place. Gary Peacock peut improviser. Il n’a pas à lier, tenir le trio comme le fait normalement le contrebassiste. La science de la percussion et du tempo est extrêmement poussée chez Keith Jarrett.

Sa filiation avec Bill Evans s’entend dans la gestion de la dynamique de la phrase passant du mezzo au forte puis revenant au mezzo (aux mezze s’il joue un tempo alla libanese).

Keith est aussi influencé par la guitare folk. Exemple avec le début du concert de Bregenz. Effectivement, à écouter Antoine Hervé le jouer, ça sonne guitare.Il en rajoute en chantant la chanson du film « Titanic » par dessus. La main gauche se ballade comme sur une guitare.Antoine scatte l’air en même temps qu’il le joue ce qui rend plus lisibles les rythmes. Comme Glenn Gould, Keith Jarrett chantonne en jouant du piano.

L’ostinato fait le style de Keith Jarrett. L’ostinato c’est quelque chose qui se répète, quelque chose qui se répète, quelque chose qui se répète... Il est aussi influencé par Paul Bley : beaucoup de silence dans la musique ce qui permet de suggérer. Et par Claude Debussy comme tous les pianistes de Jazz, par le baroque, par le gamelan tel Debussy fasciné par les danses balinaises à l’Exposition universelle de Paris en 1900.

Il aime jouer avec les pédales des notes bourdon comme la cornemuse. Il a aussi écouté la musique minimaliste de Michael Nyman rendue célèbre par le film « La leçon de piano » de Jane Campion (1993). C’est une musique ouverte à tout, qui retourne à la musique tonale ou modale. A l’opposé de la musique sérielle (séries de notes, de nuances, de timbres). Les Américains ont refusé le sériel. Ils préfèrent le tonal ou modal, la pulsation régulière.

Le truc de Keith Jarrett c’est l’ostinato. Démonstration avec le concert de Bregenz. Puis comparaison avec les Préludes et Fugues de JS Bach. Quand Keith Jarrett trouve un ostinato, l’énergie commence à monter. Il fait « tourner » disent les musiciens. Nouvelle démonstration avec le fameux ostinato du « Köln Concert » (solo de 1975). Au dessus se développent des gammes pentatoniques, des accords de passage avec des arrivées amorties, des phrases qui imitent la voix.

Un autre ostinato du Köln Concert plus rapide, plus percussif. Un thème grave se développe par dessus. Il Professore Antoine Hervé nous fait remarquer que cela sonne comme des tabmas indiens avec l’afterbeat marqué au piano. Le style de piano de Keith Jarrett fait entendre la contrebasse et la batterie en leur absence.

Séance d’écoute musicale avec Steve Reich, compositeur américain, batteur d’origine. Steve pratique le déphasage. Une rythmique ne bouge pas, l’autre se décale. Ecoute du morceau « Drumming » de Steve Reich. Par ses gestes, le Professeur Hervé nous explique le déphasage entre les deux percussionnistes et le passage à un autre tempo. Pas besoin d’électronique pour planer. Deux percussions bien jouées suffisent.

Le père de la musique répétitive c’est le Français Esoterik Satie, comme disait son concitoyen Honfleurais Alphonse Allais, avec ses « Vexations » jouées 840 fois. Erik Satie a aussi inventé la musique de film qu’il appelait d’ameublement.

Keith Jarrett pense la musique de manière horizontale comme Joseph Zawinul. Exemple du choral élisabethain. Le contrepoint permet au chanteur de créer des tensions et des détentes dans la grille.Keith Jarrett enrichit le discours contrapuntique avec des superstructures (notes modernes). Avec trois accords, on a fait des années de contrepoint et des années de rock’n roll. En altérant, en coloriant par ½ point on arrive au Jazz.

Pour finir, une question centrale dans le jeu de Keith Jarrett. Pourquoi bouge t-il autant ? C’est le Jazz, c’est physique. Il est en fusion avec son piano et sa création. Dans le taï chi chuan, art martial chinois, l’énergie vient des pieds, en contact avec le sol. C’est ce que pratique Keith Jarrett en jouant du piano debout et, pour lui, comme pour Michel Berger, ça veut dire beaucoup. En faisant jouer tout son corps, Keith donne plus d’énergie en en utilisant moins. Dans un autre genre d'expression corporelle, au tennis, Roger Federer est le modèle par sa coordination et son relâchement.

Il n’y a ni humour, ni cynisme chez Keith Jarrett. Il trouve des chemins qui n’appartiennent qu’à lui.

Pour finir Antoine Hervé joue « My song », un morceau naïf, simple.

Bel hommage que cette leçon de piano solo consacrée à Keith Jarrett. Je continue à ne pas apprécier Keith Jarrett et à lui préférer de très loin Martial Solal mais je remercie Antoine Hervé de nous avoir fait partager son amour et son respect pour ce Géant capricieux du piano.

Les leçons de Jazz ont lieu une fois par mois à l’Auditorium Saint Germain des Prés à Paris à 19h30. Certaines villes de province ont l'honneur et l'avantage d'accueillir le professeur Antoine Hervé.

Voici les thèmes des prochaines leçons :
- Antonio Carlos Jobim, pianiste brésilien, un des pères de la Bossa Nova le mercredi 13 janvier 2010
- Wayne Shorter, saxophoniste, « le plus grand compositeur du Jazz depuis la mort de Duke Ellington » (Stan Getz) le mardi 9 février 2010
- Le Blues au piano le mardi 16 mars 2010
- L’électro Jazz le jeudi 1er avril 2010. Non ce n’est pas une blague mais je pense qu’on s’y amusera bien.

La leçon de Jazz d'Antoine Hervé sur Keith Jarrett est disponible en DVD. Cf extrait vidéo sous cet article.

Duo « Patience »

Paris. Le Duc des Lombards. Mercredi 22 juin 2011 . 22h.

La photographie de John Taylor est l'oeuvre du Pétrifiant Juan Carlos HERNANDEZ.

Stéphane Kerecki : contrebasse, composition

John Taylor : piano, composition

Retour de l’annonce d’hôtesse de l’air en français et in english au Duc des Lombards. Je croyais que cette mauvaise pratique avait cessé mais non.

C’est parti tout en douceur. Froid du piano, chaud de la contrebasse. John mène la danse. Stéphane impulse doucement. John Taylor a l’âge d’être le grand père de Stéphane Kerecki mais cela ne s’entend pas. Subtilement, le rôle moteur est passé à la contrebasse. La main passe d’un joueur à l’autre. La mélodie tourne, s’enfuit, revient comme une belle courtisée. C’était « Valse pour John » (Stéphane Kerecki).

« Manarola ». Dialogue entre les cordes grattées du piano et grattées de la contrebasse. Puis John revient au piano. Mélodie légère, dansante. Cela devient plus grave, plus profond mais toujours dansant. Pas besoin de batteur. Ces gars là savent marquer le tempo. Mieux, ils l’ont inscrit en eux tout en restant maîtres de leurs mouvements. Avec un batteur, c’est plus simple mais sans c’est mieux comme disent certains pianistes facétieux. Songez par exemple au trio Jimmy Giuffre(clarinette), Paul Bley (piano), Steve Swallow (contrebasse). Solo de contrebasse bien chaud, bondissant. Beau dialogue final.

Une nouvelle ballade. Une autre valse si je ne m’abuse. C’est beau comme une balade au bord de la mer. Plutôt la Manche puisque John Taylor est Anglais. Solo de contrebasse bien pensé où chaque note est pesée. Puis Stéphane revient, remonte, relance le pianiste qui enchaîne. Dernière vibration de contrebasse, dernier scintillement de piano. C’était « Patience » le titre album.

« Kung Fu ». Morceau plus agité comme le titre l’indique. Quoique ça se calme mais avec des soubresauts. La contrebasse impulse un rythme régulier alors que le piano s’échappe par des chemins détournés. La contrebasse prend la parole à son tour. Le public est attentif. Pas d’applaudissement pendant les morceaux.

John commence vite rejoint par Stéphane. Là encore, cela m’évoque irrésistiblement la Manche par temps calme, sous un ciel couvert. La pluie n’est encore pas là, le soleil joue à cache-cache avec les nuages. C’était « Gary » dédié au contrebassiste Gary Peacock.

« Baladin » (John Taylor). Solo de piano, pur, poétique en intro. La contrebasse arrive sur un passage plus agité. Le morceau avance pas à pas, trébuchant comme un homme fatigué. Bien sûr, tout cela est voulu, contrôlé de mains de maîtres.

John commence par un solo au style chaloupé, hancockien. Stéphane le rejoint et ça pulse. J’entends le batteur alors qu’il n’y en a pas. C’est dire si ça percute. En solo, Stéphane ajoute de la percussion en battant la mesure du pied gauche. Morceau ludique nommé « Bad Drummer ».

« Luminescence ». Solo de contrebasse pour introduire. C’est plus calme, plus grave. Deux discours se croisent, se mêlent.

« Jade Visions » (Scott La Faro). Lancé par la contrebasse, forcément. Ornette Coleman a dit du contrebassiste Scott La Faro qu’il était comme un enfant qui dansait sur la lune. Cette musique est toujours aussi belle, pure, riche cinquante ans après sa création.

« Windfall » (John Taylor). Une cascade coule du piano. La contrebasse vient y ajouter son flux. Le vent court dans la forêt, fait danser les arbres, les nuages.

RAPPEL

John joue dans les cordes du piano. Stéphane tapote ses cordes avec un maillet. Morceau vif, entraînant, mystérieux comme une fée dans les landes de Dartmoor. John se remet au clavier. Stéphane remet ses doigts sur la contrebasse. Le chant du duo s’élève haut et clair. Passage plus grave qui sert de reprise d’attaque. Maintenant, ils bondissent comme des dauphins sur les vagues. Ma voisine ne supporte plus les poufs du Duc des Lombards. Elle se met au piquet, debout près du bar. Après le concert, elle maudit le Duc qui comme le Sunset, comme le New Morning diffuse de la musique enregistrée, sitôt le concert fini, ce qui casse l’ambiance créée par les musiciens. Un club de Jazz n’est ni une salle de concert, ni un salon de musique. C’est la vie.

Patience patience dans l'azur
Chaque atome de silence 
est la promesse d'un fruit mûr

Paul Valéry

Paris. Le Sunside. Mercredi 19 août 2009. 21h30.

Giovanni Mirabassi: piano
Gianluca Renzi: contrebasse
Leon Paker: batterie

La photographie de Giovanni Mirabassi est l'oeuvre de l'Impétueux Juan Carlos Hernandez.

Démarrage dur au piano. La contrebasse reprend. Tout à coup, la musique s'allège. Retour au thème grave de départ. Et hop, ils brodent. Solo de contrebasse bien encadré par le piano et la batterie. Quelques breaks de batterie pour relancer.Toujours, en fligrane, cette figure rythmique dans le grave, irrésistible. Elle revient par la contrebasse alors que piano et batterie jouent autour.

Ca roule comme la Mer. Leon Parker précis, ferme, léger offre un soutien en acier trempé. Gianluca Renzi tient sa place au centre de l'attaque. Duo funky basse/batterie alors que le piano virevolte autour. La musique commence vraiment à décoller, funy et légère à la fois. C'est une vedette rapide qui file sur les flots. La conrebasse chante en solo. Derrière, ça tourne! La fin descend tout en douceur. Cet effet là marche toujours.

Solo de contrebasse pour introduire une ballade. Grave, méditatif. Duo piano/contrebasse. Le batteur les rejoint con dolcezza. Un peu mièvre à mon goût.

Ca repart plus véloce puis se calme. Je sens qu'ils vont varier rythmes et plaisirs dans ce morcau. Ca swingue bien. Giovanni mène le bal et ses compères suivent sans peine. Breaks de batterie accompagnés par un gimmick rythmique grave. Ca groove. Dans le jeu de Leon Parker sur les tambours, l'influence des congas cubaines est évidente.

Solo de piano pour introduire. Giovanni nous fait le ruisseau tempêtueux qui dévale la montagne. L'ensemble sonne cubain de par le jeu du batteur. Solo véloce de contrebasse. Le piano ponctue, le batteur frotte les peaux de ses mains. Le torrent court à nouveau dans la montagne. Piano contrebasse, batterie aux balais. C'est beau comme un récit de Mario Rigoni Stern.

PAUSE

Attaque à la contrebasse dans l'aigu. Puis retour au grave. Ponctuations du piano. Le cliquetis de baguettes les rejoint. La musique se déplie, se déploie. Solo de batterie: les tambours chantent et grondent. Mon voiin de droite est un passionné. Il mime les gestes du batteur. Il est dedans. Solo de batterie soutenu par une figure rythmique grave qui tourne en boucle jouée par le piano et la contrebasse. Influence africaine dans le jeu de Leon Parker. La tension est palpable. Mon voisin mime le pianiste et chante l'air. Sa compagne est dedans aussi mais plus sagement. Retour à un air léger, chantant en trio.

Giovanni attaque seul une ballade. Le trio joue au ralenti, décomposant le temps comme une montre molle de Dali. Les balais frottent, les cordes de la contrebasse vibrent, les notes du piano s'écoulent goutte à goutte. Tout est sensuel. Ca marche. Malgré la chaleur, devant moi, un homme enlace sa bien aimée. Leon Parker tient un maillet dans la main droite, un balai dans la main gauche. Cela fait un joli effet sonore. Tout est souple, arrondi, tactile.

" You don't know what love is " est introduit sur un tempo rapide au piano. Mon voisin chantonne. Leon Parker joue avec les mains sur les tambours. Ca swingue. Leon a repris les baguettes et ça balance. Ce n'est plus une ballade mais un chant d'allégresse. Solo tout en douceur de Leon Parker, une rareté chz les batteurs (sauf Max Roach bien sûr). Ses maisn roulent sur les tambours. La batterie chante, vibre, résonne, gronde. Le voisin hoche la tête en mesure. Retour au thème en trio toujours en version accélérée. Le voisin chantonne joyeusement. Le piano entraîne les deux autres dans sa farandole. Ils dansent. Mon voisin mime tour à tour le batteur, le contrebassiste, le pianiste.

Une nouvelle ballade. Le couple de voisins passionnés est parti. Il est 23h50. Ils devaient avoir peu que leur carrosse ne se change en citrouille à minuit. La barque fend les flots au rythme synchrone des rameurs. Le contrebassiste chantonne pendant son solo. Mon voisin est remplacé! Ils accélèrent, ralentissent comme un seul homme.

Solo énergique de batterie aux baguettes pour commencer. Roulez tambours! C'est sec, ça frappe mais ça reste mélodieux. C'est " Impressions " de John Coltrane. C'est étrange de l'écouter sans saxophone. Le trio décolle emmené par le pilote Giovanni Mirabassi. Beau solo de contrebasse qui permet d'enchaîner sur " So What " de Miles Davis. Ils vont à rebours de l'Histoire puisque " So What " a précédé et inspiré " Impressions ". Un break de batterie pour enchaîner et relancer le trio. Leon Parker est un batteur coloriste. Il sait trouver des sons avec les bords des caisses, des cymbales cinglés par ses baguettes magiques. Retour à " Impressions " en trio. Ils s'amusent à décomposer le tempo. Ca joue.

PAUSE

Je ne suis pas resté pour le 3e set car j'avais école le lendemain. Giovanni Mirabassi ressemble à Nanni Moretti en plus petit. Son trio  avec Gianluca Renzi et Leon Parker est une vraie trinité. Ces trois hommes n'en font qu'un. Je leur souhaite une longue vie commune en espérant qu'ils ne finiront pas dans le ronronnement ennuyeux du trio Keith Jarrett/Gary Peacock/Jack de Johnette.

Gildas Boclé

" Or else "

Gildas Boclé: contrebasse, compositions

Jean Baptiste Boclé: orgue, vibraphone (3,9)

Billy Drummond: batterie

Gary Burton: vibraphone (1,5,10)

Walt Weisskopf: saxophone (4,6,9)

Quand les frères Boclé allèrent étudier le Jazz à la Berklee School of Music aux Etats Unis d'Amérique, ils furent les élèves du vibraphoniste Gary Burton. Ils devinrent ensuite des membres de son groupe. Manifestement, ils sont restés en bons termes puisque Gary Burton fait trois apparitions dans le nouvel album des Frères Boclé, la plus marquante étant à mon avis la première (Timber).

Gildas Boclé a un coup d'archet impérieux voire impérial qui lui est tout à fait personnel. Ses compositions sont bien ficelées, parfois un peu trop à mon goût. Billy Drummond assure en super professionnel. Jean Baptiste Boclé groove tranquille à l'orgue et vibre paisible au vibraphone. Walt Weisskopf me laisse froid. Techniquement, c'est irréprochable mais j'entends du saxophone, pas de la musique, c'est bien le problème.

Quand ils ne jouent pas leurs Keltic Tales, les frères Boclé, même en  enregistrant à Brooklyn, ne quittent jamais vraiment la Bretagne. La preuve avec cet Hôtel de la plage ci dessous, filmé par Gildas Boclé qui est aussi un photographe et vidéaste renommé.

" Night Bus "

Second Trip

Juste Une Trace

Sortie le vendredi 30 avril 2021

En concert au Bal Blomet, à Paris, France, le mardi 28 septembre 2021

Night Bus est composé de:

Gary Brunton: contrebasse, compositions (sauf 5 , 8 & 12), direction

Bojan Z: piano

Simon Goubert: batterie

Lectrices exploratrices, lecteurs voyageurs, en cette période de confinement, ce blog vous a déjà emmené en voyage dans un train de nuit avec le " Sleeper Train " en quartet puis dans un voyage temporel avec " Coming Yesterday " de Martial Solal en solo.

Il est désormais temps pour vous de prendre le bus de nuit avec le trio Gary Brunton, Bojan Z & Simon Goubert alias " Night Bus ". C'est leur deuxième album d'où le titre logique de " Second Trip ". Il fait suite au premier voyage en Night Bus que j'ai manqué, je l'avoue, lectrices exploratrices, lecteurs voyageurs.

A la contrebasse, le Britannique Gary Brunton, au piano le Yougoslave Bojan Zulfikarpasic dit Bojan Z et, à la batterie, le Français Simon Goubert. Vous êtes entre de bonnes mains. Au delà du Brexit et du processus d'élargissement aux Balkans de l'Union européenne.

Le voyage commence en Angleterre avec la fameuse station balnéaire de Blackpool devant la mer d'Irlande. " Blackpool Girl " (1). Cf vidéo sous cet article.

Gary Brunton est Britannique, né en 1968. Il a donc baigné dans la Pop Culture. Il reprend deux thèmes de David Bowie. " Ashes to ashes " (5) en solo de contrebasse et " Moonage daydream " (8) en trio avec une énergie tout à fait Rock'n Roll.

Gary Brunton est contrebassiste de Jazz. Il rend hommage à deux de ses Maîtres. Charles Mingus (1922-1979) avec " Mingus House " (7), un Blues forcément. Red Mitchell (1927- 1992) avec " Red Mitchell " (10) justement pour un duo dans le style de Red Mitchell: contrebasse à l'archet, batteur aux balais.

Ce trio est composé de musiciens amis depuis 30 ans. Pour fêter la joie de jouer ensemble, quoi de mieux que le titre " Retrouvailles " (9)? Cf extrait audio au dessus de cet article.

Comme ce sont de grands tendres, ils nous charment avec deux ballades enchaînées: une composition " Behind the bowler's arm " (11) et un standard joué en duo piano & contrebasse " How deep is the Ocean " (12).

Pour conclure le voyage et l'album, un air frais et léger avec une petite touche de Cuba, " Havana Brown " (13) qui vous fait sortir du " Night Bus. Second trip " en pleine forme, lectrices exploratrices, lecteurs voyageurs.

La photographie de Bojan Z est l'oeuvre de l'Excellent Juan Carlos HERNANDEZ. Toute utilisation de cette oeuvre sans l'autorisation de son auteur constitue une violation du Code de la propriété intellectuelle passible de sanctions civiles et pénales.